55 советов по микшированию музыки для начинающих

Микширование музыки может приносить невероятное удовлетворение и в то же время невероятно расстраивать. Чтобы наши миксы звучали профессионально, требуются время, усилия и навыки. Многим новичкам, включая меня (в какой-то момент), не хватает всех трех. Итак, в этой статье я хотел бы поделиться статьей – 55 советов по микшированию музыки для начинающих, с акцентом на то, чему я хотел бы научиться в начале своей деятельности.

Эти советы приведены в произвольном порядке, и я подробно объясняю каждый из следующих советов в отдельных разделах этой статьи. Пожалуйста, не стесняйтесь просматривать статью по ссылкам в списке ниже.

Ладно, это будет долго, так что пристегнитесь и давайте перейдем к этим 55 советам по микшированию для начинающих!

Содержание

1. Волшебство в средних частотах

Это совет, который я, по общему признанию, по-настоящему понял только позже, когда стал инженером по микшированию.

Фраза “волшебство в средних частотах” в основном означает, что основная часть важной информации находится на средних частотах, скажем, от 200 Гц до 4000 Гц. Если мы сможем подобрать микширование в этом ограниченном диапазоне, мы, естественно, добьемся лучшего микширования.

Во-первых, хотя общепринятый диапазон человеческого слуха охватывает от 20 до 20 000 Гц, мы, естественно, наиболее чувствительны к средним частотам. Кроме того, различия в реакции слуха, как правило, наибольшие в экстремальных ситуациях.

Во-вторых, системы воспроизведения звука также довольно сильно различаются по своей способности создавать низкие и высокие частоты (например, подумайте о клубной акустической системе и динамике вашего смартфона). Однако большинство систем воспроизведения довольно прилично воспроизводят средние частоты. Во многих случаях мы даже не можем должным образом контролировать экстремумы при микшировании.

Итак, затем, если мы сможем отточить и по-настоящему освоить средние частоты наших миксов, мы сможем улучшить переводимость наших миксов и общее качество наших миксов.

Я и многие другие микшеры часто тратим слишком много времени на низкие и высокие частоты и пренебрегаем важностью правильной работы на средних частотах. Это часто приводит к неидеальным миксам, которые плохо переводятся с одной системы на другую.

2. Суббас – это не бас

Этот совет как бы дополняет первый. Это может показаться очевидным, но суббас – это не обязательно бас.

Конечно, открытая струна B стандартного 5-струнного баса будет иметь основную частоту около 31 Гц, которая находится в области суббаса (и мы можем даже захотеть подчеркнуть эту частоту в миксе). Однако звучание бас-гитары в этом примере гораздо важнее, чем ее фундаментальность.

На самом деле, существует множество гармоник (кратных целым числам), которые составляют большинство басовых звуков. Исключением здесь является чистая синусоидальная волна, которая, по определению, состоит из одной основной частоты. Все остальное будет иметь гармоники, с которыми мы сможем работать, чтобы придать звучанию более насыщенный вид в миксе.

Басовые инструменты, будь то бас-гитары, синтезаторы, 808 сэмплов, туб и т.д., часто содержат информацию в области суббаса (условно определяется как все, что ниже 60 Гц). Однако, чтобы добиться максимального эффекта от этих инструментов, нам обычно приходится работать с гармониками.

Ошибка, которую я совершал в прошлом (и вижу, как другие совершают по сей день), заключается в усилении области низких частот, часто с помощью низкочастотного усиления, чтобы усилить басы в миксе. Чаще всего это приводит к обратным результатам, съедая запас мощности в микшировании и приводя к плохо сбалансированному миксу.

Итак, хотя частоты низких частот важны, вместо того, чтобы фокусироваться на низких частотах для придания присутствия, попробуйте сосредоточиться на гармониках басовых инструментов. С эквалайзером низких частот можно многого добиться, а средние частоты (от 60 до 4000 Гц) и насыщенность (гармоническое искажение / генерация) могут стать бесценным инструментом при микшировании низких частот, чтобы они лучше присутствовали в миксе.

55 советов по микшированию музыки для начинающих

3. Очистите нижнюю часть

Продолжая тему низких частот, крайне важно “очистить” низкие частоты большинства треков, удалив немузыкальный контент в нижних крайних частотах частотного спектра. Это можно сделать с помощью фильтров высоких частот и фильтров низких частот.

Вы можете подумать, как и я, что больше информации в низкочастотном диапазоне означало бы более мощный низкочастотный, но это не так. Чтобы понять почему, нам нужно понять phase.

Фаза – это положение момента времени в волновом цикле, хотя при микшировании это относится к выравниванию положительных и отрицательных амплитуд между неидентичными формами сигнала.

Когда две или более формы сигнала совпадают по фазе, они действуют конструктивно, выводя больше сигнала. В крайнем случае, если два сигнала полностью “не совпадают по фазе”, они полностью нейтрализуют друг друга из-за разрушительных помех.

Итак, если у нас есть несколько аудиосигналов / дорожек с информацией о низких частотах, которые постоянно входят в фазу и выходят из нее, у нас будет различная корреляция фаз, что, в свою очередь, приведет к тому, что в некоторых экземплярах микширования будет почти никакой информации на низких частотах, а в других экземплярах будет слишком много низких частот.

Устраняя шум и другую немузыкальную информацию из треков, которые не нуждаются в представлении в низких частотах (большинство треков), мы можем эффективно освободить место для тех треков, которые содержат музыкальную информацию в низких частотах (бас, ударный барабан и т.д.).

Уменьшите объем информации в низких частотах

Таким образом, хотя, возможно, это противоречит здравому смыслу, мы действительно можем добиться более сильных басовых характеристик в наших миксах, уменьшив объем информации в низких частотах. Опять же, это можно сделать с помощью фильтров высоких частот и фильтров низких частот.

Мы можем даже отказаться от экстремальных низких частот в наших басовых элементах, при условии, что мы не уберем ничего, что могло бы повредить миксу. То, что технически мы можем слышать до 20 Гц, не обязательно означает, что нам требуется значительное количество энергии на всем пути вниз.

4. Не бойтесь фильтров нижних частот

На другом конце слышимого частотного спектра нам также не следует слишком бояться использования фильтров низких частот или “высоких частот”.

Верхние частоты не будут страдать так сильно, как нижние частоты, от фазовых проблем, а именно конструктивных и разрушительных помех (в любом случае, мы мало что могли бы сделать с этими короткими формами сигнала). Однако многие треки в любом случае не содержат много полезной информации в верхней части, и иногда полезно исключить эту информацию.

Диапазон high-end или “brilliance”, который в общих чертах определяется как 8 кГц и выше, не обязательно содержит значительное количество гармоник (хотя верхние гармоники нот некоторых инструментов могут быть здесь примечательны). Скорее всего, это частотный диапазон, который чаще всего ассоциируется с “воздухом” или “блеском”, хотя эти термины в значительной степени бессмысленны, если у вас уже нет собственного понимания.

Информация в диапазоне brilliance, возможно, не слишком музыкальна, но она играет определенную роль в четкости звука. Слишком много высококачественной информации приведет к чрезмерно яркому и утомительному миксу (наши уши, естественно, быстрее устают от более высоких частот), в то время как слишком мало высококачественной информации приведет к мрачному и несколько нечеткому миксу.

В большинстве случаев лучший план действий – уменьшить самую верхнюю часть в некоторых треках, которые в этом не нуждаются, с помощью фильтров нижних частот (или высокочастотных сокращений). Иногда стоит повысить уровень громкости в некоторых треках, которые могли бы выиграть от дополнительной четкости, характерной для тарелок и вокала.

Кроме того, фильтрация низкочастотных треков со значительным пропуском звука высокого уровня может помочь еще больше изолировать рассматриваемые треки, а также прояснить верхнюю часть, освободив больше места для треков, которые больше всего выиграли бы от чистого верхнего уровня в миксе.

5. Используйте больше автоматизации фейдеров и меньше сжатия для контроля уровней и динамики

Сжатие – довольно сложный процесс, но его можно относительно просто понять следующим образом:

Микширование – это баланс (в основном относительных уровней). Фейдеры – это основные инструменты для настройки относительного баланса, и мы можем перемещать фейдеры вверх и вниз, чтобы увеличить или уменьшить уровень трека соответственно.

Сжатие в самом общем смысле можно рассматривать как “автоматическое управление фейдером”, которое автоматически ослабляет (понижает “фейдер”), когда уровень звука трека превышает установленный порог, и автоматически возвращает “фейдер” в исходное положение, когда уровень звука трека снова падает ниже установленного порога.

Фактически, я повторяю это определение на протяжении всего моего ускоренного курса по микшированию с помощью Series (ссылка для получения более подробной информации).

Сжатие динамического диапазона

Конечно, сжатие требует гораздо большего, но это простой способ понять принцип наложения сжатия динамического диапазона.

Таким образом, мы могли бы достичь тех же результатов, что и компрессор, автоматизировав наши фейдеры. Это было бы намного тщательнее, но мы могли бы это сделать. Сжатие так популярно, потому что оно автоматически управляет динамикой.

Однако в случаях, когда происходят значительные изменения в динамике аудиосигнала (распространенные в вокальных исполнениях), более сложный подход к набору громкости / автоматизации фейдеров может быть гораздо более подходящим для достижения прозрачного контроля над динамикой трека.

Кроме того, исполнение может становиться громче или тише в разных разделах песни, и статические настройки компрессора могут подвести нас в таких ситуациях. Например, пороговое значение может быть даже не достигнуто в тихой секции, в то время как более громкая секция может быть перегружена статическими параметрами. В этом случае мы можем использовать автоматизацию громкости / фейдера или даже автоматизировать параметры самого компрессора.

Здесь следует отметить одну вещь: фейдер трека регулирует уровни после вставок трека. Если мы хотим автоматизировать уровень, поступающий в компрессор, нам придется автоматизировать какой-нибудь плагин усиления / подстройки перед компрессором или входное усиление самого компрессора.

6. Работайте в режиме соло экономно

Функция solo – мощный инструмент. Она позволяет нам быстро солировать отдельные треки, подгруппы и вспомогательные дорожки, чтобы прослушать их изолированно. Это может помочь нам своевременно устранять неполадки и формировать звуки так, как мы хотим.

Однако отличное микширование заключается в том, чтобы все треки звучали великолепно, сведенные вместе (отсюда и название), и не обязательно в том, чтобы каждый трек звучал идеально сам по себе. Другими словами, отличный микс состоит из несовершенных треков.

Несовершенство треков создает отличный микс

Часто бывает так, что обработка, которая звучит потрясающе в соло, совсем не подходит для микширования, оставляя нас с потраченным впустую временем и более плохим микшированием в придачу.

“Микширование соло” – ошибочная фраза, поскольку на самом деле мы вообще не микшируем. Если мы слышим проблемы в микшировании, мы часто можем найти и решить их, солируя на наших треках и исправляя проблемы на уровне треков по одному за раз.

Однако, в контексте микширования, мы должны выполнять основную часть нашей обработки и балансировки, воспроизводя все треки вместе. В любом случае, это то, что в конечном итоге услышат конечные слушатели.

7. Усиливайте свои треки (по крайней мере, в начале микширования)

Постановка усиления – это один из тех процессов, которые люди либо любят, либо ненавидят в Интернете (что в наши дни не вызывает споров?).

Распределение усиления – это фактически процесс обеспечения соответствующих уровней сигнала на каждом этапе (входе или выходе микрофона, предусилителя, усилителя, процессора и т.д.) сигнального тракта.

Это чрезвычайно важно в аналоговом оборудовании из-за низкого уровня шума и проблем с перегрузкой. Правильная настройка усиления обеспечит адекватное соотношение сигнал / шум, а также защитит оборудование от перегрузки и сигналы от чрезмерных искажений.

Во времена 32-разрядного цифрового звука с плавающей запятой настройка усиления не является сверхобходимой, хотя, на мой взгляд, это все еще “лучшая практика”.

Способ, которым я использую для настройки усиления на моей цифровой аудиосистеме (обычно Logic Pro X), заключается в том, что я вставляю плагин усиления / обрезки в качестве первой вставки на каждую из моих звуковых дорожек, устанавливаю все фейдеры в unity и регулирую усиление так, чтобы у меня был средний уровень от -20 до -18 ДБФ. Исходя из этого, важно, чтобы уровень звука совпадал при каждой вставке, если это возможно (см. Совет 47).

Настройка усиления не только помогает обеспечить реальный запас мощности на протяжении всего микширования (соотношение между максимальным потолком 0 ДБФ и пиковым уровнем цифрового звука), но и помогает нам использовать плагины, которые более адекватно эмулируют аналоговое оборудование.

Но более важным для меня, по крайней мере, является тот факт, что настройка усиления даст нам одинаковые относительные уровни для заданного положения фейдера (при условии, что мы правильно настроим наши процессоры). Таким образом, мы можем лучше понять баланс, просто посмотрев на микшер и относительные уровни фейдеров, а не на случаи, когда одинаковая громкость может означать значительные различия в уровнях фейдеров между двумя треками без усиления.

Конечно, вам не обязательно подбирать сцену или уровень, но это может существенно упростить ваши сеансы микширования.

8. Сведение в отдельном сеансе

Этот совет может показаться очевидным, если перед вами стоит задача строго заниматься микшированием. Однако для тех из нас, кто пишет, продюсирует и записывается, может оказаться чрезвычайно полезным извлечь мультитреки из нашей “производственной” сессии и импортировать их в совершенно новую, специальную сессию микширования.

Специальная сессия микширования означает, что мы больше не будем отвлекаться на какие-либо задачи производственного этапа (настройка параметров эффектов, виртуальных инструментов, запись дополнительных партий, монтаж и т.д.). Сначала проведите специальную сессию, чтобы выполнить всю эту работу, а затем восстановите мультитреки и импортируйте их в сессию, предназначенную именно для микширования.

Сеанс микширования можно настроить как шаблон (см. Совет 14), и в нем есть все необходимое, чтобы сразу погрузиться в процесс микширования и следовать вашему обычному рабочему процессу.

9. Преобразуйте MIDI-треки в аудио перед микшированием

Возможно, этот совет является более конкретной версией предыдущего, но воспроизведение MIDI-треков, независимо от того, создаете ли вы мультитреки или микшируете в рамках “производственной сессии”, полезно.

Для начала, это избавит вас от необходимости отвлекаться на настройку виртуального инструмента или MIDI-информации. Он также гарантирует, что звук с недавно воспроизведенной звуковой дорожки каждый раз будет одинаковым (некоторые виртуальные инструменты будут срабатывать по-разному при разных воспроизведениях, что может привести к ненужным интеллектуальным играм).

Кроме того, звук требует намного меньше процессора (и оперативной памяти), чем виртуальные инструменты (особенно те, которые основаны на библиотеках сэмплов). Таким образом, мы можем высвободить больше ресурсов для использования наших процессоров микширования, а не наших VSTS.

10. Используйте отправку и возврат эффектов, а не вставляйте эффекты непосредственно в треки

Если у вас есть опыт в мире аналогового аудио и музыкального производства, вы уже знаете это. Однако, если вы похожи на меня и начинали с цифровых аудиостанций, может оказаться слишком просто вставить один и тот же плагин в различные треки и полностью игнорировать возможности вспомогательных каналов отправки / возврата треков.

Раньше у инженеров по микшированию могло быть всего несколько каналов и несколько элементов подвесного оборудования, поэтому было естественно подключить несколько дорожек к одной вспомогательной дорожке для групповой обработки. Только с появлением современных DAW мы можем позволить себе роскошь запускать множество экземпляров одного и того же плагина по нескольким каналам.

И все же олдскульный способ настройки отправки и возврата эффектов по-прежнему является правильным способом микширования в большинстве случаев, особенно с эффектами, зависящими от времени, такими как задержка и реверберация.

Во-первых, мы будем использовать меньше плагинов, что действительно помогает снизить нагрузку на ресурсы компьютера.

Во-вторых, мы можем отправлять несколько треков с одинаковыми эффектами в ответ, что может помочь “склеить” треки вместе с помощью идентичной обработки.

В-третьих, и, возможно, самое важное, это то, что, настроив передачу и возврат эффектов, мы получим независимый контроль над влажным сигналом (канал возврата) и сухим сигналом (сигналами) (дорожка (дорожки), отправляемая на канал возврата). У нас есть независимый контроль не только над фейдером / уровнем “мокрого” канала, но и над самой обработкой, включая любые другие вставки до или после основного эффекта (см. Совет 17).

Впервые осваивая цифровые аудиостанции, вы можете даже не знать, что доступны дополнительные треки. Я здесь, чтобы рассказать вам, что они есть и что они невероятно полезны при микшировании!

11. Совместимость с моно – это признак сильного микширования

Этот совет фактически подтверждает, что к моносовместимому миксу (который хорошо звучит в режиме моно и в стерео- или объемном звучании) стоит стремиться.

В начале работы может возникнуть соблазн сделать наши стереомикширования сверхширокими. В конце концов, большая часть современной музыки микшируется в стерео (а теперь и в Dolby Atmos), поэтому вполне естественно, что мы хотели бы сделать наши миксы еще и широкими.

Однако погоня за шириной требует определенных затрат, поскольку ширина стереофонического звучания в основном обусловлена различиями между левым и правым каналами. Любые различия между этими каналами будут эффективно устранены, когда микширование сведется к моно.

Проще говоря, чем “шире” наш микс, тем хуже он будет воспроизводиться в системах монофонического воспроизведения, таких как многие клубные акустические системы, Bluetooth-колонки и колонки для смартфонов.

Поэтому при микшировании стоит периодически проверять нашу работу, переводя шину микширования в режим моно.

Также стоит подумать о том, чтобы сосредоточить внимание на наиболее важных элементах микширования, вот почему в большинстве современных музыкальных постановок вокал, удар, малый звук и басы находятся в середине стереоспектра. Таким образом, эти элементы по-прежнему четко слышны при воспроизведении в монофоническом режиме по сравнению со стереоинформацией, которая будет изменена тем или иным образом.

12. Соедините похожие инструменты вместе для аналогичной обработки

Процесс подбора похожих инструментов для их собственных подгрупп не является чем-то новым, но это прочная привычка, которой нужно овладеть для организации микширования и простоты.

Например, мы можем объединить все барабаны в их собственной подгруппе, все гитары – в их собственной подгруппе, весь бэк-вокал – в их собственной подгруппе и т.д. Таким образом, мы можем обрабатывать эти группы по принципу “сверху вниз”, применяя обработку шины к комбинации их аудиосигналов, а не к отдельным дорожкам.

Это помогает высвободить ресурсы за счет отсутствия дублированных плагинов, а также улучшает “склеивание” или сцепление сгруппированных треков за счет микширования их сигналов перед обработкой по шине.

13. Используйте VCA для управления уровнями удвоенных или слоистых дорожек

Усилители с регулируемым напряжением (VCA) довольно популярны в аудиооборудовании. Что касается микшеров, мы можем настроить VCA для управления выводом нескольких дорожек с помощью одного фейдера.

Например, мы можем настроить несколько дорожек для ударных (удар внутри микрофона, удар снаружи микрофона и удар сэмплом) на один VCA и использовать этот единственный фейдер VCA для одинакового управления выходом всех трех дорожек, не регулируя относительный баланс между тремя дорожками.

Это помогает упростить балансировку и автоматизацию за счет наличия одного фейдера вместо того, чтобы управлять фейдерами треков по отдельности, сохраняя относительный баланс.

14. Создайте и используйте шаблон микширования

Наличие определенного рабочего процесса значительно улучшит согласованность наших миксов, а также сэкономит нам время и усилия от микширования к микшированию. Совершенствуя наш рабочий процесс, мы также можем рассмотреть возможность создания шаблонов микширования для наших сессий.

Шаблон микширования, как следует из названия, представляет собой заранее организованную сессию, которую мы можем открыть, импортировать в нее наши мультитреки и немедленно приступить к работе. Он может содержать нужные нам треки с предварительной маркировкой и маршрутизацией, и в каждый из треков, подгрупп и вспомогательных дорожек могут быть уже вставлены наши типичные процессоры.

С правильным шаблоном микширования мы можем пропустить множество мелочей при настройке сеанса микширования и быстрее приступить к микшированию, экономя время и сохраняя свежесть слуха перед началом микширования.

Все современные цифровые аудиостанции допускают использование шаблонов. Лично я использую Logic Pro X, и у меня есть несколько разных шаблонов (для разных жанров, для микширования, мастеринга, продюсирования, создания видео и т.д.).

Когда я работал полный рабочий день в местной студии, у нас были сеансы Pro Tools практически для всех возможных сценариев, в которых мы могли оказаться. Включая объемный звук для фильмов, удаленное озвучивание за кадром, редактирование диалогов, звуковое оформление, производство рекламы на радио и многое другое).

Поэтому, хотя может быть полезно привлекать ваших представителей к настройке и организации сеанса, когда вы только начинаете, разработка надежного шаблона микширования может помочь вам оставаться в курсе рабочего процесса и, в конечном счете, сэкономить часы времени на микширование после микширования.

15. Используйте низкие частоты в режиме моно (в основном)

В совете 11 мы обсудили важность совместимости с моно и то, как ширина обусловлена различиями между стереоканалами (левым и правым каналами).

Эти разности фаз особенно разрушительны на низких частотах из-за более длинных волн. Разрушительные помехи, возникающие от “стереоизированных” низких частот, могут привести к нарушению целостности низких частот.

Подавление фазы в низких частотах звучит неестественно и сверхъестественно для наших ушей и в конечном итоге приводит к плохим результатам микширования.

Во многом это связано с тем, что по своей природе низкие частоты имеют тенденцию звучать всенаправленно из-за того, что их длина волны больше расстояния между нашими ушами (локализация звука сложна, но большая ее часть связана со звуковыми волнами, достигающими одного уха раньше другого.

Итак, если у нас разные суббас-и басовые данные, поступающие с двух каналов, это может отличаться от того, что мы слышим в природе, что не обязательно хорошо.

Кроме того, исторически сложилось так, что при мастеринге винила басовые частоты сохранялись в режиме моно. Стереоинформация о прессовании винила заключается в различиях между внутренней и внешней стенками канавки.

Басовые частоты выделяют более длинные и часто глубокие участки стенки, и многие стилусы фактически будут вытеснены из паза, если различия между внутренней и внешней стенками (левым и правым каналами соответственно) будут слишком разными. Это особенно относится к центру винила, где окружность каждой последующей канавки становится все короче и короче.

Как бы то ни было, наличие инструментов с широкими басами не обязательно плохо. Хороший стереофонический бас звучит неплохо, но стереоизированная часть сигнала обычно находится в диапазоне средних частот, а не суббас.

В некоторых жанрах, в которых много низкочастотной информации, например, в электронной танцевальной музыке, мы можем захотеть более строго придерживаться “политики только моно”, когда речь заходит о низкочастотной музыке.

Однако в жанрах с немного большим балансом, таких как рок, мы можем поэкспериментировать с большей шириной низких частот, по крайней мере, в басах (возможно, не в суббассах) и добиться некоторых интересных, но стабильных результатов в микшировании.

16. Тренировка слуха важна

Тренировкой слуха я пренебрегал годами, и я об этом глубоко сожалею. Я помню, как подавал заявление на программу музыкального искусства в моем местном колледже после окончания программы звукозаписывающего искусства, и хотя меня приняли благодаря моим игровым и теоретическим знаниям, мой практический тест на развитие слуха был настоящим провалом.

Но помимо умения определять аккорды, интервалы, высоту звука, тембры и т.д. В музыкальных настройках, инженерам по микшированию не менее (если не более) важно уметь определять технические аспекты звука и аудиозаписи.

Это означает такие вещи, как определение частот усилений и сокращений и эквалайзера; где в частотном спектре могут находиться резонансы и на какой дорожке; как звучит сжатие при различных настройках; на что похожи различные типы искажений; временные параметры или задержка и реверберация; как сбалансированы элементы в миксе; панорамирование или ширина определенных элементов и многое другое.

Когда я начинал, основным обучением были “Золотые уши”, но поскольку это не входило в программу моего обучения в колледже, я, естественно, пренебрег этим (в любом случае, я был слишком занят, повреждая свой слух, играя в местных барах).

В настоящее время я использую SoundGym для тренировки слуха, что мне очень нравится. Это игровой процесс, и играть на нем почти увлекательно. Я обнаружил, что это бесценный ресурс для тренировки слуха, и могу рекомендовать его как новичкам, так и профессионалам.

17. Возвращается эквалайзер и эффекты обработки

Я обсудил, насколько важными при микшировании могут быть передача и возврат эффектов в совете 10. Помимо независимого контроля уровней и эффектов “сухого” сигнала (сигналов), подаваемого на обратную вспомогательную дорожку, и самой “влажной” вспомогательной дорожки, мы также можем обрабатывать обратный канал помимо основного эффекта (часто задержки или реверберации).

Таким образом, вместо того, чтобы вставлять эффект непосредственно в дорожку и обрабатывать сигналы dry и wet вместе, мы можем обрабатывать канал возврата wet полностью независимо от дорожки (ек), подающей его. Давайте рассмотрим здесь несколько примеров:

После задержки вставьте эквалайзер с понижением до середины, чтобы уменьшить “мутность”, и пониженным, чтобы еще больше увеличить задержку при микшировании.
Вставьте компрессор после реверберации и установите сухой источник (ы) в качестве сигнала боковой цепи для компрессора, чтобы приглушить реверберацию при наличии сухого сигнала и усилить ее после того, как сухой сигнал рассеется.
Вставьте эффект искажения или насыщения после задержки или реверберации, чтобы придать ему больше характера.

Обработка сигнала может оказаться намного сложнее, но эти три примера помогут вам задуматься.

18. Хорошее микширование не может исправить плохую аранжировку, исполнение или запись

Раньше я думал, что микширование может быть волшебной таблеткой при посредственном продакшене. На самом деле, я думал, что веду себя круто, записывая вещи немного “небрежно”.

Однако правда в том, что хорошее микширование не может исправить плохую аранжировку, исполнение или запись.

Начиная с аранжировки, если треки сессии с самого начала плохо сочетаются друг с другом, микширование с самого начала будет непростой задачей. Некоторые инструменты плохо сочетаются друг с другом, а написание / сочинение / аранжировка некоторых песен оставляет желать лучшего.

Если части песни написаны таким образом, что допускают чрезмерную частотную маскировку или беспорядочный ритм, получить отличный микс может быть совершенно невозможно.

Переходя к исполнению, если музыканты не умеют играть, будет трудно получить великолепно звучащую запись на этапе микширования. Конечно, многое можно сделать с помощью редактирования (см. Советы 42 и 43), но на это не следует полагаться, и во многих случаях нам будет очень сложно переделать проблемы с производительностью во что-то, что будет звучать профессионально.

Наконец, треки микширования должны быть хорошо записаны. Да, многое можно сделать с помощью процессов микширования, таких как эквалайзер и плагины для восстановления, но если в записях присутствует чрезмерное затухание, шум, артефакты или искажения, нам будет гораздо сложнее добиться отличного микширования.

Поэтому, если ваши миксы получаются не такими, как вы хотели, если они не соответствуют вашим ожиданиям или рекомендациям, подумайте об аранжировке, исполнении и записи. Возможно, стоит внести некоторые изменения в аранжировку, или, возможно, проекту необходимо больше времени для получения наилучших исполнений и записей.

19. Хороший мастеринг не может исправить плохое микширование

В дополнение к совету 18, хороший мастеринг не исправит плохой микс. Раньше я думал, что мастеринг – это какой-то волшебный процесс, который может вывести мои не вызывающие восторга миксы на профессиональный уровень. Снова ошибся.

Мастеринг – это процесс оптимизации звука для воспроизведения во всех системах воспроизведения и аудиоформатах. Хотя максимизация громкости и дополнительная обработка являются частью процедуры мастеринга, целью мастеринга ни в коем случае не является изменение микса.

Итак, нам следует потратить время на создание наилучшего микса, который мы можем, перед мастерингом, и не ожидать, что процесс мастеринга улучшит качество нашего микса. Конечно, он может (и часто делает) вносить небольшие улучшения в незначительные детали, но он не предназначен для того, чтобы сильно изменять микширование.

Микшируйте так, как будто микширование будет конечным продуктом, и ваши мастера будут звучать намного лучше.

20. Размерность зависит от контраста

Размерность имеет решающее значение при создании музыки. В дополнение к нашей типичной динамике, мне нравится представлять микширование в трехмерном пространстве: как имеющее высоту, ширину и глубину.

Высота относится к частотному содержанию трека или микса. Это на языке (низкочастотный относится к басу, а высококлассный – к высоким частотам). Контраст и баланс частот в этом диапазоне дают нам измерение высоты микширования. Заполнение частотного спектра, как правило, дает лучшие результаты, чем отсутствие.

Ширина относится к разнице между левым и правым каналами, которая в значительной степени совпадает с различиями в звуке, достигающем нашего левого и правого ушей. Ширина создается панорамированием дорожек и использованием стереоэффектов, включая эффекты, зависящие от времени (задержка и реверберация).

Глубина относится к воспринимаемому расстоянию между слушателем и источником звука (дорожкой) в миксе. В реальном мире мы можем интуитивно приблизительно определить расстояние между нашим местоположением и местоположением источника звука. Глубина создается путем изменения уровней и содержания высоких частот, формирования переходных процессов и эффектов, основанных на времени (задержка и реверберация).

Но для правильного баланса размеров нам нужен контраст. Если все широкое, глубокое (далеко или ближе), высокое или короткое, то ничего такого нет.

Чтобы получить широкий микс, нам нужно четкое изображение в моно / центре.

Чтобы получить глубокое микширование, нам нужны элементы на расстоянии, а также элементы в непосредственной близости.

Чтобы получить качественный микс, нам нужен баланс по всему частотному спектру.

Учитывайте контрастность, когда дело доходит до размерности, и вы получите хорошие, полноценные миксы.

21. Не ищите резких частот с помощью Sweep EQ

Если вы ходите вокруг да около в поисках повода для обиды, вы найдете, на что обижаться. В жизни это так же верно, как и при микшировании.

Существует популярная техника, которую я называю техникой усиления и развертки. Она используется для поиска резких резонансных частот в аудиосигнале, чтобы мы могли уменьшить их в наших миксах.

Как следует из названия, техника включает усиление полосы в параметрическом эквалайзере и распространение этой полосы по всему частотному спектру. Когда мы наткнемся на резонансную частоту, усиление даст нам знать, что это проблема, и мы сможем впоследствии сократить частоту.

Это полезная техника для устранения проблем со звонками / резонансами в наших треках и может оказать огромную помощь в достижении наилучшего возможного микширования.

Однако, когда новичкам преподают эту технику, слишком часто ее изучают как своего рода “обязательный” метод для улучшения качества наших треков. При значительном усилении узкой полосы с помощью эквалайзера почти каждая повышенная частота будет звучать ужасно, что приводит к тому, что многие новички переусердствуют с урезанием своих эквалайзеров. В результате получается гребенчатый фильтр с множеством кажущихся случайными вырезов ложно приписываемых “резонансных частот”.

Это не очень хорошая практика, и хотя это полезный метод поиска проблемной частоты, если вы слышите что-то, что вам не нравится, это ни в коем случае не практический стандарт для EQing, если вы хотите хороших результатов.

22. Микшируйте ушами, а не глазами

Эта фраза немного банальна, но ее важно повторить. Микширование направлено на получение наилучшего звука, а не наилучшего изображения.

Мы естественным образом воспринимаем больше информации с помощью нашего зрения, чем всеми другими органами чувств вместе взятыми, поэтому для нас естественно больше полагаться на то, что мы видим.

Объедините это с невероятными пользовательскими интерфейсами и анализатором в современном оборудовании и плагинах, и все это будет слишком легко “микшировать нашими глазами”.

Но конечным слушателям все равно, как выглядят кривые эквалайзера, графики уменьшения усиления или что-либо еще во время сеанса микширования. Они заботятся о хорошей музыке, и поэтому крайне важно сделать все возможное, чтобы как можно больше полагаться на свои уши и как можно меньше на глаза, когда дело доходит до микширования.

Вот несколько стратегий, которые помогут сфокусировать наше чувство слуха и уменьшить визуальную информацию во время микширования:

Используйте плагины, которые не обеспечивают потрясающей визуальной обратной связи — плагины, эмулирующие аналоговое оборудование, часто отлично подходят для этого. Например, большую часть эквалайзера и сжатия я выполняю с помощью Waves SSL E-Channel Strip, потому что в нем нет никаких графиков (и это звучит великолепно).
Настраивайте свои плагины, сопоставляя их по уровню (обеспечивая одинаковый уровень независимо от того, включен плагин или выключен) и включайте и выключайте их, чтобы судить, идет ли обработка на пользу микшированию или во вред — бонусные баллы за выполнение этого с закрытыми глазами.
Полностью выключите монитор / экран, прослушайте сеанс микширования и делайте заметки о том, что необходимо учесть.

23. Балансировка уровней – главный приоритет

Существует так много информации о создании музыки и микшировании, что может быть легко запутаться в передовых методах и концепциях, прежде чем мы разовьем четкое представление об основах.

Нет ничего более фундаментального для микширования, чем относительный баланс уровней между нашими треками. На самом деле, я бы сказал, что баланс уровней составляет более 80% микширования (с фейдерами и панорамированием), а дополнительная обработка (эквалайзер, сжатие, насыщенность, задержка, реверберация и т.д.) составляет менее 20%.

Эти дополнительные процессы можно рассматривать как более совершенные инструменты для настройки баланса уровней микширования, и я фактически обучаю их этому. Например:

Эквалайзер можно упростить до частотно-зависимого регулирования уровня.
Сжатие может быть упрощено до “автоматической” регулировки уровня.
Насыщенность и искажения добавляют гармоники и управляют динамикой, и поэтому их можно упростить вплоть до частотно-зависимого (гармонического) регулирования уровня и широкого динамического регулирования уровня.
Задержка и реверберация могут напрямую не влиять на баланс уровней, но они влияют на размерность, которая является частью общего баланса.

Поэтому, если вы обнаружите, что много изучаете передовые концепции и техники, не испытывая улучшения результатов ваших микширований, я рекомендую вернуться к основам и сосредоточиться на балансировке уровней больше, чем на чем-либо другом.

24. Слушайте свою работу вне студии

Это важная привычка, к которой нужно привыкнуть. Одно дело получить великолепно звучащий микс в привычной нам среде, но совсем другое – получить микс, который великолепно звучит везде.

В рамках неуловимого поиска возможности перевода микширования мы должны ссылаться на наше микширование на как можно большем количестве систем воспроизведения за пределами нашей основной зоны микширования.

Неприятно так гордиться сделанным миксом, а потом он разваливается при воспроизведении в машине, стереосистеме, наушниках или где бы то ни было еще, когда вы слушаете музыку. Тем не менее, вероятно, лучше услышать различия и внести коррективы самостоятельно, прежде чем отправлять микс клиенту или выпускать его в мир.

Правда в том, что подавляющее большинство слушателей никогда не услышат ваши миксы так, как вы это делаете в своей студии. Поэтому крайне важно ссылаться на ваши миксы вне студии, чтобы лучше понять, как они переводятся, и вносить любые необходимые корректировки, помогающие улучшить переводимость ваших миксов.

Так что готовьте свои миксы и выбирайте несколько удобных условий для прослушивания (мне нравится слушать в машине, в наушниках, через динамик Bluetooth, через динамик смартфона и через акустическую систему). Прослушивайте каждый микс, который вы делаете в каждой из этих систем / сред, делайте заметки и вносите коррективы, чтобы ваш микс транслировался как можно лучше.

25. Насыщенность и искажения – бесценные инструменты, которых не обязательно избегать

Когда я впервые занялся записью, по той или иной причине идея о том, что искажений следует избегать, была распространена в моих исследованиях. Оглядываясь назад сейчас, я понимаю, что, возможно, у меня немного затуманена память и искажение при цифровом отсечении было искажением, которого следует избегать любой ценой. В любом случае, это было странно для меня тогда (как для металл / хардкорного парня) и остается странным для меня сейчас.

Скорее, я открыто приветствую дисторшн и регулярно стремлюсь к нему, не только в аппаратном обеспечении, но и с помощью плагинов. Дисторшн и насыщенность могут придать нашим миксам такой характер, особенно в стерильной цифровой среде.

Конечно, я не говорю о перегрузке нашего оборудования до предела, и я не обязательно говорю о цифровой обрезке (хотя для этого тоже может найтись место — см. Совет 32). Скорее, я говорю о широком разнообразии эффектов искажения и типов насыщенности, которые могут формировать и окрашивать наши аудиосигналы приятным и даже не очень образом, чтобы усилить воздействие микширования на конечного слушателя.

Дисторшн – мощный инструмент в микшировании и продюсировании музыки, от небольшого количества дополнительной “теплоты” и присутствия басовых элементов до специальных эффектов и формирования тона. Не бойтесь им пользоваться!

26. Лучшие плагины и / или подвесное оборудование не решат проблему с плохими основами

Точно так же, как продвинутые техники и концепции не смогут передать ваши миксы, если не будут заложены основы, первоклассное оборудование не будет иметь большого значения, если вы не сможете максимально использовать его потенциал.

Как и многие новички, я привык убеждать себя, что мой продакшн значительно улучшится, “если только”. Если бы только у меня был компьютер получше. Если бы только у меня была ухоженная комната. Если бы только у меня были микрофоны получше. Если бы только у меня были те плагины, которые я вижу во всех этих руководствах YouTube. Я даже убедил себя, что в первые дни проблема заключалась в моей DAW.

Правда в том, что сегодня я мог бы создать лучшее микширование с помощью бесплатной DAW на ноутбуке, используя наушники, чем в многомиллионной студии, . Это не вопрос оборудования; это вопрос разработки сильных основ для роста.

27. Обратитесь за помощью к надежным людям

Ни один человек не является островом, и все мы учимся у тех, кто был до нас. Не совершайте распространенную “творческую” ошибку, пытаясь разобраться во всем самостоятельно.

Найдите надежного наставника, того, кто опережает вас в игре, и учитесь у него.

Я хочу сказать, что в какой-то момент вам понадобится помощь, чтобы перейти к следующему этапу вашего микширования. Воспользуйтесь доступными вам ресурсами.

28. Всегда создавайте резервные копии своей работы

Этот совет довольно прост. Создайте резервную копию своей работы в облаке или на внешнем жестком диске (или на обоих). Вы никогда не знаете, что может случиться с вашим компьютером и сеансами цифрового микширования.

29. Настройте согласованный рабочий процесс

Наличие последовательного метода создания микширования сэкономит вам время, усилия и устранение неполадок сегодня и в будущем.

Некоторые люди считают, что последовательный процесс “шаг за шагом” лишит микширования всего творческого потенциала. Я утверждаю, что точное знание того, что делать и когда это делать, действительно высвободит вашу творческую энергию (и сохранит ваши уши свежими), что в конечном итоге поможет вам принимать лучшие решения при микшировании.

Мой рабочий процесс, в самом общем смысле, состоит из 5 этапов:

Подготовка микширования / организация сеанса
Начальное микширование (с фейдерами и панорамированием)
Обработка и повторная балансировка
Автоматизация, дополнительное продакшн и спецэффекты
Завершение микширования

На каждом из этих этапов у меня есть небольшие шаги, но я в значительной степени следую этой схеме в каждом из своих микширований, и поскольку мне не нужно думать о том, что будет дальше в общей картине, я могу сосредоточиться на творческом подходе к самому микшированию.

Кроме того, я часто использую шаблон микширования, чтобы сократить этап подготовки микширования / организации сеанса (см. Совет 14).

30. Выделите время специально для обучения и экспериментов

Лучший способ научиться микшированию – это попрактиковаться в микшировании. Я зарабатываю большую часть своих денег, обучая продюсированию музыки, и я непреклонен в том факте, что вы узнаете больше, уделяя время занятиям микшированием, чем читая или просматривая мой контент.

Конечно, это не значит, что образовательные ресурсы недействительны. На самом деле, я считаю, что они необходимы, если вы хотите эффективно учиться. Однако я буду утверждать, что должно быть место и время для обучения и экспериментов, а также другое место и время для создания миксов.

Поэтому мой совет – выделять время на микширование и искать информацию только в том случае, если вы действительно застряли в процессе микширования. Большую часть вашего времени следует уделять работе внутри DAW.

Затем, когда вы не занимаетесь микшированием, подумайте о том, чтобы научиться производству музыки и сведению у меня и других наставников. Также стоит потратить “свободное время” на то, чтобы покопаться в DAW и научиться экспериментировать.

31. Увеличьте и уменьшите эквалайзер, чтобы звучало хорошо

Существует множество советов о том, как использовать эквализацию.

“Не сокращайте и не усиливайте звук более чем на X дБ”
“Не усиливать, только сокращать”
“Фильтруйте высокие частоты абсолютно во всем, что не относится к кик-энд-бас”

И хотя большинство данных советов подкреплены благими намерениями, в лучшем случае они часто произвольны.

Лучший совет, который намного менее направлен, чем фразы, упомянутые выше, это усилить и сократить то, что хорошо звучит в миксе.

Да, есть что сказать о влиянии чрезмерного эквалайзера на тон и фазу трека, но иногда несколько агрессивных сокращений или усилений эквалайзера принесут миксу больше пользы, чем попытки сохранить исходную тональность трека (тем не менее, я, по крайней мере, склонен быть менее агрессивным с эквалайзером на гитарах и вокале).

Мое предостережение для вас здесь заключается в том, что вы должны быть знакомы с основами эквалайзера, прежде чем заходить слишком далеко. Ошибочный агрессивный эквалайзер может принести целостности микса гораздо больше вреда, чем пользы.

32. Используйте обрезку для управления переходными процессами и поддержания ударности

В совете 25 я упомянул о бугимене цифрового клипирования. Цифровое обрезание происходит, когда мы превышаем цифровой потолок (0 ДБФ), и наши цифровые аудиосигналы обрезаются на их положительных и / или отрицательных максимумах. Результаты такого обрезания могут показаться довольно вопиющими, отсюда и предостережение против них.

В целом, мы хотим максимально избегать цифрового обрезания, особенно на этапе записи (хотя 32-разрядная система с плавающей запятой избавляет от этого беспокойства). Это тема для другой статьи.

Учитывая это, клиппинг может быть невероятно полезным инструментом при микшировании. Кроме того, я говорю здесь не только о цифровом или “жестком” клиппинге; я также имею в виду “мягкое” клиппирование.

Жесткое обрезание происходит, когда сигнал строго ограничен пороговым значением, что приводит к плоскому срезу — при этом получается много высокочастотных гармоник, и его часто описывают как резкий.

Мягкое обрезание происходит, когда сигнал округляется и сглаживается на пороге, где он может даже слегка превысить порог. Форма сигнала по-прежнему обрезана, но вершины все еще несколько закруглены, что обычно приводит к более приятным для звука гармоническим искажениям, чем жесткое обрезание.

Слышимые искажения при обрезке обычно слышны только в том случае, если они происходят в течение нескольких периодов сигнала. Часто бывает так, что отсечение начальных переходных пиков сигнала не вызовет значительных искажений звука, если вообще вызовет (хотя это, безусловно, искажает форму сигнала).

Таким образом, мы можем использовать обрезку, чтобы помочь снизить пиковые уровни переходных процессов, не обязательно влияя на звучание переходных процессов. Для материалов с переходным звучанием, таких как малые барабаны, это может помочь нам увеличить запас мощности (соотношение между цифровым потолком и пиковым уровнем аудиосигнала) без изменения звучания малого барабана (в этом примере).

Сравните это с другими процессорами Dynamics, такими как compression и limiting, которые будут определять переходные процессы входящего сигнала в зависимости от их временных параметров (время атаки и освобождения).

Другими словами, отсечение (мягкое или жесткое) может помочь нам сохранить резкость наших переходных сигналов (например, барабанов), а также дать нам больше возможностей для работы в миксе. Это позволяет нам делать звук немного громче в любом компрессоре после обрезки, тем самым сохраняя ощущение сильных переходных процессов.

Я должен также упомянуть, что обрезающих искажений тоже не обязательно следует избегать. Немного дополнительной зернистости может действительно продвинуть дело вперед и придать треку или подгруппе тот агрессивный характер, который им необходим, чтобы вписаться в микширование.

Попробуйте сами и обязательно обратите внимание на любые возможные искажения.

33. Увеличьте верхние частоты с помощью эквалайзера, чтобы добиться большей четкости и присутствия при ударах, ловушках, томах и т.д.

Перкуссия и барабаны часто выигрывают от небольшого увеличения мощности. Мы часто думаем о том, чтобы улучшить основы этих инструментов, но обычно есть некоторая дополнительная информация, которую можно получить на верхних частотах. Это не всегда будет правильным ходом для микширования, но об этом стоит подумать.

Давайте на мгновение рассмотрим некоторые очень широкие обобщения о частотных диапазонах, чтобы рассмотреть усиление и урезание в kick, snare и tom drums:

Ударные:

Фильтр верхних частот 20-50 Гц для устранения низкого шума (обычно с небольшим наклоном)
Усиление (звонок) 40-80 Гц для низких частот
Отключите (звонок) 150-350 Гц для придания нечеткости
Отключите (звонок) 600-900 Гц для обеспечения пустоты
Усиление (звонок) 2,5-5 кГц для присутствия
Усиление (звонок) 7-8 кГц для щелчка / атаки
Фильтр нижних частот 8-12 кГц для удаления шума и ненужного воздуха

Малые барабаны:

Фильтр верхних частот 80-180 Гц для устранения низких частот
Усиление (звонок) 200 Гц для корпуса
Уменьшите частоту (звонок) 350-750 Гц для придания объемности
Усиление (звонок) 2,5-3,5 кГц для присутствия
Усиление (раструб или полка) 7-8 кГц для взлома / атаки

Rack tom drums:

Фильтр верхних частот 30-50 Гц для устранения низких частот
Усиление (звонок) 100-200 Гц для низкочастотного корпуса
Отключите (звонок) 150-350 Гц для придания нечеткости
Отключите (звонок) 600-900 Гц для обеспечения пустоты
Усиление (звонок) 4-5 кГц для присутствия
Усиление (раструб или полка) 7-8 кГц для взлома / атаки

Барабаны Floor tom:

Фильтр верхних частот 30-50 Гц для устранения низких частот
Усиление (звонок) 70-100 Гц для низкочастотного корпуса
Отключите (звонок) 150-350 Гц для придания нечеткости
Отключите (звонок) 600-900 Гц для обеспечения пустоты
Усиление (звонок) 4-5 кГц для присутствия
Усиление (раструб или полка) 7-8 кГц для взлома / атаки

Если вашим барабанам нужно немного больше присутствия или атаки, рассмотрите возможность усиления, упомянутого выше.

34. Сделайте большинство эффектов, основанных на времени, тихими, чтобы не было места

Как гитарист, я люблю играть с помощью педалей, и хотя я не часто выбираю педали задержки и реверберации, но когда я это делаю, я хочу услышать их эффекты.

Когда я начал заниматься созданием музыки, я узнал, что задержка и реверберация могут помочь создать ощущение пространства в миксе, и поэтому я начал применять эти эффекты так, как я бы делал со своей гитарой, то есть слишком громко.

Результатом было бы довольно значительное вымывание сухих элементов в миксе, даже когда я начал использовать эффекты возврата для моих задержек и реверберации (см. Совет 10).

Часто бывает так, что пространство ощущается больше, чем слышно при микшировании, особенно когда дело доходит до эффектов, основанных на времени. Поэтому, если вы используете задержки и реверберацию для создания пространства (а не для эффекта), подумайте о снижении их уровня до такой степени, чтобы они больше не привлекали к себе внимания, а действовали исключительно для поддержания ощущения размерности микса.

35. Не включайте звук слишком громко слишком долго

Нет ничего лучше, чем взорвать свой микс, чтобы ощутить воздействие звуковых волн. Хотя это полезно делать периодически, прослушивание на большой громкости ускорит утомляемость ушей и, в некоторых случаях, даже приведет к необратимому повреждению слуха.

Мониторинг микширования следует осуществлять на разных уровнях, хотя SPL 80-85 дБ – это лучшее место с наилучшим частотным балансом и низким риском повреждения слуха. Низкие уровни помогают нам идентифицировать элементы, находящиеся слишком низко в миксе, в то время как высокие уровни позволяют нам слышать / чувствовать микс с более высоким риском повреждения слуха.

Наш слух далек от линейного в диапазоне слышимости от 20 до 20 000 Гц. Однако “линейность” нашего слуха увеличивается с уровнем звукового давления. Это означает, что в целом, чем громче мы отслеживаем, тем лучше мы услышим низкие и высокие ноты, представленные в миксе. Напротив, чем тише мы ведем мониторинг, тем больше наш слух будет сосредоточен на средних частотах.

Так что да, важно время от времени включать громкость, чтобы услышать, как звучит микс на большой громкости. Однако для здоровья вашего слуха большую часть времени лучше микшировать на более низких уровнях.

36. Делайте частые перерывы

Опираясь на совет 35, мы советуем делать частые перерывы.

Частые перерывы (как правило, не менее 5 минут раз в 30-60 минут) могут помочь предотвратить усталость ушей и “перезагрузить” наш слух, чтобы обеспечить большую объективность при микшировании.

Наше чувство слуха имеет тенденцию быстро приспосабливаться к тому, что мы слушаем, и поэтому важно периодически освежать слух. Кроме того, именно поэтому хорошей идеей является периодическое переключение между нашим миксом и нашими ссылками.

Поэтому делайте частые перерывы. Ваши уши и ваши миксы будут вам за это благодарны.

37. Всегда проверяйте, нет ли проблем с фазой в мультитреках

Этот шаг должен быть частью этапа подготовки микширования. Важно обеспечить правильное соотношение фаз между нашими треками, если мы хотим получить наилучшее возможное микширование.

В некоторых случаях нам нужно менять полярность треков, которые в значительной степени противоположны по фазе. Другими словами, если две формы сигнала воспроизводят один и тот же звук, но одна имеет положительные значения амплитуды, а другая – отрицательные, стоит изменить полярность одной из этих дорожек, чтобы лучше выровнять фазу. Проверьте другие треки, чтобы решить, на каких из проблемных треков следует изменить полярность.

Кроме того, мы можем просто захотеть изменить местоположение аудиофайла на временной шкале аранжировки сеанса микширования, чтобы он более согласованно сочетался с другими треками. Будьте осторожны, так как это может быстро выйти из-под контроля, но знайте, что это возможность улучшить фазовые соотношения между треками в миксе, прежде чем мы начнем микширование.

38. Спросите себя, какой элемент является наиболее важным в любой момент времени, и сведите его соответствующим образом

Во многих современных постановках в большинстве разделов песни присутствует ведущий элемент (подсказка: обычно это вокал). Если вы работаете с материалом, в котором нет отдельного ведущего элемента, то смело пропускайте этот совет.

Поэтому при создании микширования мы должны обращать внимание на то, что наиболее важно в каждом разделе, и обращать внимание на то, чтобы это выделялось в более широком контексте микширования.

Это может означать, что его уровень немного выше, чем у остальных треков, что придаст ему немного дополнительного пространства с помощью реверберации / задержки или сжатия боковой цепи, или любой другой техники, которая могла бы предложить что-то отдельное, чтобы он выделялся.

39. Сначала поймите песню

Конечная цель микширования – подать песню и позволить ей оказать максимальное воздействие на конечного слушателя. Конечно, в процессе микширования необходимо достичь множества технических целей, но мы никогда не должны упускать из виду, что песня и слушатель являются самыми важными.

Поэтому важно, чтобы мы поняли песню, прежде чем приступать к микшированию. Какова долгосрочная динамика песни (как она развивается с течением времени)? Какова общая эмоциональная тема песни и как я могу усилить эту тему в миксе? Чем эта песня отличается от других песен в этом жанре и что я могу с этим поделать в миксе? Все эти вопросы стоит рассмотреть, когда дело доходит до микширования песни.

Может быть полезно прослушать черновое сведение или даже просто необработанные мультитреки, прежде чем погрузиться в процесс микширования. Сделайте заметки о том, о чем, по вашему мнению, песня, и спросите исполнителя (ов) и продюсера (ов), какой они представляют себе песню. Дальнейшая работа с этой информацией может оказать огромную помощь в создании успешного микширования, которое действительно послужит песне.

40. Используйте эталонные миксы

Без этого у меня не было бы списка советов по микшированию. Эталонные миксы часто недооценивают, но они настолько эффективны, когда дело доходит до создания профессиональных миксов, которые могут конкурировать с коммерчески выпущенной музыкой.

Эталонные миксы, как правило, выполнены в похожем жанре или стиле и уже имеют общую эстетику микширования, которую вы хотите использовать в своем миксе, хотя это необязательно. Кроме того, лучшие референсы – это, как правило, высококачественные, освоенные и коммерчески выпущенные песни, хотя, опять же, они не обязательно должны быть такими.

Я рекомендую прослушать ваши рекомендации перед началом микширования, чтобы немного подготовить свой слух к предстоящей задаче. Я также рекомендую периодически переключаться между вашей работой и вашими рекомендациями на протяжении всего процесса микширования, чтобы убедиться, что вы на пути к достижению своей “цели” микширования.

41. Наберитесь терпения

Это относится к гораздо большему, чем просто микширование. Ваши первые миксы не будут великолепными. Чтобы научиться и стать великими в чем-то столь техническом и творческом, как микширование, требуются время и самоотверженность, так что наберитесь терпения и продолжайте работать. Вы добьетесь своего!

42. Время редактирования имеет решающее значение

Если у вас нет первоклассных музыкантов или вы работаете в жанре, который обычно не требует времени на монтаж (джаз и классика обычно зависят от первоклассных музыкантов, так что, я полагаю, в любом случае это одно и то же), вам захочется немного поработать с монтажом, чтобы быть конкурентоспособным среди других современных постановок.

Время редактирования характерно для ритм-секций, особенно для барабанов и баса, хотя оно может быть ограничено и для других треков.

Вырезание и перемещение звука, пожалуй, самый популярный метод редактирования на сегодняшний день. При редактировании инструментов с несколькими микрофонами, таких как ударные, лучше всего группировать ударные треки вместе, чтобы вы могли легко вырезать и перемещать все треки вместе при редактировании. Любая современная DAW допускает такую функциональность.

Сжатие и расширение времени – это еще один способ редактирования времени, хотя следует соблюдать осторожность, чтобы не вносить слишком много сверхъестественных артефактов в звук, особенно при растяжении звука.

В любом случае, убедитесь, что вы используете кроссфейды, чтобы избежать цифровых щелчков / хлопков между кадрами.

Вокал, и особенно бэк-вокал, часто выигрывает от некоторой затяжки. Хотя мы, безусловно, можем использовать методы ручного редактирования времени, упомянутые выше, я бы также посоветовал заглянуть в Synchro Arts VocALign (ссылка для проверки цены в магазине плагинов). Он значительно упрощает настройку вокала (я также с большим успехом использовал его на рупорах).

43. Настройка редактирования имеет решающее значение

Помимо времени редактирования, редактирование для настройки также является стандартным в современном музыкальном производстве. Немного может иметь большое значение, когда дело доходит до настройки, и вы будете удивлены, насколько естественными могут быть эти новые алгоритмы настройки.

Наиболее часто настраиваемым элементом в музыке является вокал. При настройке вокала важно сосредоточить большую часть наших усилий на середине нот, а не на начале и окончании слов. Настройка начальных переходных тонов и хвостов может звучать странно и приводить к появлению артефактов, но со вкусом настроенная середина может дать нам очень естественное звучание.

Конечно, в конечном счете, все зависит от вкуса. У некоторых исполнителей отчетливый звук “автонастройки”, в то время как другие вокалисты звучат на записи так же естественно, как и вживую, даже несмотря на то, что происходит подслащивание.

Многие современные DAW предложат какой-то вариант настройки.

Два основных игрока в настройке – это Antares Auto-Tune и Celemony Melodyne. Я использовал оба и лично предпочитаю Melodyne для своей работы (это то, что есть у меня в студии).

44. Кнопка отключения звука также является инструментом микширования

Это немного сложно, особенно когда нам дают мультитреки для микширования от клиента. Независимо от того, микшируем ли мы наш собственный материал или чью-то еще песню, треки присутствуют по определенной причине — потому что они соответствуют видению и аранжировке исполнителя.

Поэтому отключение звука трека (или нескольких треков) может показаться немного неправильным, когда дело доходит до микширования. Однако, если дорожки не подходят для микширования и фактически не дают микшированию раскрыться в полную силу, возможно, будет лучше полностью отключить их.

Конечно, здесь крайне важно проявлять осмотрительность. Не заглушайте каждую композицию, которая доставляет вам проблемы. Делайте все возможное, чтобы микшировать то, что есть на сессии, но знайте, что иногда приглушенный трек действительно может раскрыть микс, позволяя ему дышать и придавая ему силу и четкость, которых он заслуживает.

Это восходит к совету 18 и моему замечанию о том, что плохие аранжировки приводят к плохим миксам. Если трек играет, казалось бы, незначительную роль в песне, но запутывает микширование, не бойтесь приглушить его, если это способствует общей четкости микширования.

45. Не для всего нужен эквалайзер

Эквалайзер – это один из первых инструментов, с которым мы знакомимся, когда только учимся микшировать, и поскольку эквалайзер так важен при микшировании, у нас легко может сложиться впечатление, что эквалайзер нужен всему.

Но важно никогда ничего не обрабатывать просто так. У каждого процессора есть недостаток, и если со звуком в треке все в порядке, то это может принести больше вреда, чем пользы.

Всегда спрашивайте себя, почему вы выбираете эквалайзер для трека, прежде чем приступать к эквалайзингу. Если, потратив некоторое время на настройку эквалайзера и его A / B тестирование путем включения и выключения, вы обнаружите, что движения эквалайзера не обеспечивают лучшего микширования, не стесняйтесь начать с нуля и повторно применить другие движения эквалайзера или полностью удалить эквалайзер.

46. Не все нуждается в сжатии

Точно так же, как не всему нужен эквалайзер, не всему требуется сжатие. Не сжимайте свои треки “просто так”. Всегда спрашивайте себя, почему вы решили что-то сжать, и двигайтесь дальше.

Опять же, если после A / B тестирования сжатия вы обнаружите, что оно не обеспечивает наилучшего микширования, не стесняйтесь начинать с нуля и повторно применять другие параметры сжатия или полностью отказаться от идеи сжатия.

47. Используйте сопоставление уровней и A / B тестирование

Полагаю, я мог бы включить этот совет раньше, поскольку в этой статье я ссылался на A / B тестирование.

A / B тестирование – это процесс сравнения одной вещи (A) с другой (B). Согласование уровней – это процесс настройки процессора таким образом, чтобы воспринимаемый уровень звука в сигнальном тракте был одинаковым, независимо от того, включен этот процессор или выключен.

Комбинируя эти два метода, мы можем выработать привычку к A / B тестированию наших плагинов и процессоров, либо настраивая различные параметры внутри плагина и переключаясь между различными наборами настроек (если у него есть внутреннее A / B тестирование), либо включая и выключая плагин / процессор.

Проверяя наши действия с помощью A / B-тестирования, мы можем оценивать наши решения в контексте микширования и в конечном итоге решить, улучшили ли мы микширование или ухудшили его с помощью нашей обработки. После этого мы можем выбрать, сохранить обработку, повторить попытку обработки или вообще от нее избавиться.

A / B тестирование, особенно когда мы максимально объективны (см. Совет 36 и совет 40 о надежных стратегиях восстановления объективности микширования), позволит нам понять, движемся ли мы в правильном направлении или нет.

Соответствие уровней устранит перекос в громкости при A / B тестировании, которое гласит, что мы, естественно, считаем, что более громкая версия чего-либо лучше, даже если она технически (и творчески) хуже для микширования.

48. Тарелки часто тише на записи, чем вживую

Может быть, мне только кажется, но после многих лет джемования и выступлений в стесненных условиях я так привык слышать тарелки ударной установки громко и ясно, часто поверх корпусов.

На живых концертах с профессиональным звуком и на пластинках обычно микшируются над тарелками или, по крайней мере, для большей сбалансированности, чем на ударной установке или рядом с ней. Помните об этом при микшировании, и вы избавите себя от чрезмерно жестких барабанных миксов.

49. Рассматривайте пресеты как отправную точку, но не полагайтесь на них

Когда начинаешь, часто есть две группы мнений относительно пресетов:

Никогда не используйте пресеты; это запасной вариант.
Используйте предустановки и быстро получайте результаты.

Пресеты очень полезны (особенно когда вы начинаете создавать свои собственные) и их следует использовать для экономии времени и энергии при микшировании. Кроме того, эксперименты с предустановками могут показать вам параметры и варианты использования, которые вы, возможно, никогда не рассматривали в своих плагинах.

С другой стороны, важно изучить все тонкости используемых вами плагинов, чтобы иметь максимальный контроль над тем, как они обрабатывают звук в ваших миксах.

Итак, мой совет – сначала как можно лучше освоите инструменты, а затем изучите пресеты, которые вам нравятся, чтобы получить наилучшие результаты за минимальное время.

50. Баланс обычно меняется на протяжении песни

Из совета 23 мы узнали, что баланс должен быть главным приоритетом микширования. При этом идеальный баланс часто меняется от раздела к разделу.

Во многих случаях изменения в активных дорожках будут влиять на изменение баланса. Однако стоит отметить, что может потребоваться автоматизация для изменения баланса в соответствии с песней по мере ее развития с течением времени.

51. Изучите имеющиеся у вас плагины и не беспокойтесь о том, чего у вас еще нет

Еще одна распространенная мысль, которая приходит начинающим микшерам, заключается в том, что лучшие плагины позволят создавать лучшие миксы.

Честно говоря, стандартные плагины на лучших современных цифровых аудиостанциях более чем способны обеспечить вам профессиональные миксы.

Не поймите меня неправильно; сторонние плагины – это потрясающе. Я потратил десятки, если не сотни тысяч рублей на программное обеспечение для микширования. Однако, на мой взгляд, гораздо важнее сначала изучить основы, прежде чем вкладывать средства в новейшие и самые лучшие сторонние плагины.

И это подводит меня к следующему пункту, который заключается в том, чтобы избегать пиратства или кражи плагинов. Я здесь не для того, чтобы быть всемогущим и говорить, что это неправильно, но это уменьшит ваше использование плагинов, а использование взломанных плагинов слишком часто приводит к появлению огромного количества программного обеспечения, которое вы все равно никогда не сможете изучить и использовать.

Инвестируйте в себя, и ваши вложения будут иметь значение.

52. Иногда требуются сэмплы, поэтому используйте высококачественные

Независимо от того, продюсируете ли вы сэмплированные жанры, такие как хип-хоп, Pop и EDM, улучшаете ли свои металлические или рок-миксы или используете сэмплы в любой другой сессии микширования, стоит инвестировать в высококачественные сэмплы.

Я лично использую Splice в течение многих лет, хотя эти открытые платформы в конечном итоге загромождаются слишком большим количеством неинтересных или непригодных сэмплов. Loopcloud – отличное место для поиска высококачественных сэмплов. Предложения ADSR Sounds и аудио плагинов – это всего лишь несколько других интернет-магазинов, где можно приобрести качественные сэмплы.

53. Используйте шумоподавители вручную

Шумоподавление – это процесс приглушения звуковой дорожки, если уровень сигнала падает ниже установленного порога. Это полезно для устранения шума между хитами, такими как toms, и другими редко воспроизводимыми инструментами. Это можно сделать с помощью соответствующего шумоподавителя (как определено ранее) или вручную, вырезав и приглушив отдельные участки звуковой дорожки — просто убедитесь, что оставшиеся аудиоклипы постепенно исчезают.

Если в треке наблюдается значительное затухание или шум, его настройка может помочь очистить микширование и улучшить общую четкость и мощность микширования.

54. Организация сэкономит время и здравомыслие

Я коснулся этого в совете 14, где мы обсуждали использование шаблонов микширования, но правильная организация сеанса сделает ваши микширования намного более плавными.

Вот несколько вещей, которыми нужно заняться во время подготовки и организации микширования:

Обозначьте мультитреки в соответствии с вашим соглашением об именовании
Упорядочите их соответствующим образом
Цветокодируйте их в соответствии с вашими предпочтениями
При желании распределите треки по соответствующим подгруппам
Настройте то, что, по вашему мнению, может потребоваться для микширования с точки зрения отдачи эффектов и параллельной обработки
Проверьте, нет ли проблем с фазой
Усиление звука на дорожках

Последовательное выполнение этих основных шагов обеспечит вам успех в процессе микширования, поскольку все будет устроено так, как вы ожидаете. Если вам нужно настроить параметр определенной вставки на определенной дорожке, подгруппе или вспомогательной дорожке, вы будете точно знать, где она находится. Это освободит ваше время, поскольку вы не будете искать свои процессоры, что в конечном итоге даст вам больше времени и энергии для творчества при микшировании.

Конечно, организовывать сеанс в начале каждого микширования может быть утомительно (именно поэтому шаблоны или так удобны), но это, несомненно, лучше, чем иметь дело с хаосом неорганизованной сессии, когда вы находитесь на полпути к микшированию.

Более того, если у вас войдет в привычку настраивать каждый микс в одном и том же общем виде, вам будет гораздо удобнее пересматривать старые миксы, если когда-нибудь появятся правки или ремиксы.

55. Следите за накоплением энергии в “мутных” низких частотах

Еще один распространенный совет при микшировании – использовать низкие средние частоты, обычно около 200-500 Гц. Эту полосу частот часто называют “мутной”, и я помню, как меня инструктировали вырезать эти частоты из треков, чтобы уменьшить такую “мутность”, без четких причин почему.

Ну, причина, по которой этот частотный диапазон может быть таким проблематичным при микшировании, заключается в том, что очень многие инструменты обладают значительной энергией в этом диапазоне. Усиление низких и средних частот, часто определяемое в пределах 250-500 Гц, связано с тем фактом, что очень многие инструменты воспроизводят ноты либо с основными, либо с сильными вторыми, третьими или даже четвертыми гармониками.

И поскольку здесь так много энергии от мелодии, гармонии и даже от ударных инструментов, он может легко стать громоздким при микшировании. Кроме того, поскольку важные гармоники стольких треков находятся в этом диапазоне, часто происходит значительная частотная маскировка.

Поэтому часто бывает необходимо уменьшить эти частоты в одних треках, чтобы освободить место для других. Здесь нет жестких правил, хотя лично я предпочитаю сначала вырезать из ударных инструментов, а затем из инструментов и вокала, которые не отвечают за продвижение песни вперед и, следовательно, не требуют такой мощности (которая часто исходит от низких и средних частот).

На этом все. Это были 55 советов по микшированию музыки для начинающих. Надеюсь, что информация была полезна для вас. Успехов!

2 138

Метки: звукорежиссура